If Barnett Newman had listened more to James Brown records, perhaps his rigid “Zips” would have gotten a bit more swing–which would have given the elevated rhetoric of the color field painting certainly a bit more of a snap.
Hätte Barnett Newman mehr James Brown-Platten gehört, vielleicht hätte es die strengen Linien seiner „Zips“ zum Schwingen gebracht - was der Erhabenheitsrhetorik der Farbfeldmalerei sicher etwas Pepp verliehen hätte.
But for a long time, African American sounds and abstract painting were not to be put together. The high arts were still strictly separated from the popular arts and also politically they were not a good fit: During the Cold War abstract art embodied the supremacy of Western Modernism versus Socialist Realism, while black pop music for instance accelerated the March to Washington in 1963, the highlight of the protests against the racial segregation in the USA.
Chris Martin, born in 1954 in Washington D.C., was shaped by black music. “Dance” of 2008 can be formally considered as homage to Matisse, using the tools of color field painting. Then at the bottom of the 3,4 x 6,1m large canvas, there is a dedication to the grandchildren of James Brown, seventies pioneers and eighties icons of Hip Hop and Rap: Kurtis Blow, Grandmaster Flash, Kool Moe Dee and others. They made the spoken-song from the ghettos popular, invented DJ-ing and sampling–techniques of the postmodern culture. Further, the inscription involves the Swedish artist, spiritualist, and anthroposophist Hilma af Klint (1862−1944), Alfred Jensen (1903−1981), a classic representative of the New York School as well as his lesser known contemporaries Paul Feeley (1910−1966) and Myron Stout (1908−1987).
Aber lange konnten afroamerikanische Sounds und abstrakte Malerei nicht zusammenfinden. Weil man noch streng die hohen von den populären Künsten trennte, aber auch politisch passten beide nicht recht zusammen: Während die Abstraktion im Kalten Krieg die Überlegenheit der westlichen Moderne gegenüber dem Sozialistischen Realismus zu verkörpern hatte, beflügelte die schwarze Popmusik z.B. den „Marsch auf Washington“ 1963, Höhepunkt der Proteste gegen die Rassentrennung in den USA.
Für Chris Martin, 1954 in Washington D.C. geboren, war die schwarze Musik prägend. „Dance“ von 2008 ist formal betrachtet eine Hommage an Matisse mit den Mitteln der Farbfeldmalerei. Am unteren Bildrand aber ist die 3,4 x 6,1 Meter große Leinwand den Enkeln James Browns gewidmet, 70er-Jahre-Pionieren und 80er-Jahre-Ikonen des Hip Hop und des Rap: Kurtis Blow, Grandmaster Flash, Kool Moe Dee u.a. Sie machten den Sprechgesang aus den Großstadtghettos populär, erfanden das DJ-ing und das Sampling − Kulturtechniken der Postmoderne. Weiter umfasst die Widmung die schwedische Malerin, Spiritistin und Anthroposophin Hilma af Klint (1862−1944), Alfred Jensen (1903−1981), einen klassischen Vertreter der New York School, sowie dessen weniger bekannte Zeitgenossen Paul Feeley (1910−1966) und Myron Stout (1908−1987).
Does it need more than a hand full of psilocybin mushrooms, those which often glisten from Martin’s paintings and a pile of good records to tune in?
Dafür braucht es vielleicht nur eine Handvoll Psilocybinpilze, die oft aus Martins Bildern funkeln, und ein paar gute Platten.
Since the mid nineties, Martin has often dedicated his canvases to artist colleagues he esteemed and honored as painters or as musicians–pop stars as well as those who were and are outside of the mainstream. Sometimes, as is the case withMichael Jackson, James Brown or Frank Moore, the inventor of the Red Ribbon for Aids solidarity, on the occasion of their deaths. Such dedications make Martin’s large-sized compositions rise from a societal foundation. They are gestures of devotion and solidarity. At the same time they disrespect any purity requirements of monochrome or color field painting. The names are rudely placed into the image’s space, right next to glued-in money coins, vinyls, banana peals, and newspaper articles.
In spite of the rugged, through and through profane image surfaces, for more than 30 years Martin’s work has been connecting to different traditions of spiritual abstraction, for which New York, where Martin has been living since 1975, was the melting pot. Martin considers Indian folklore, Buddhist and Christian mystic or anthroposophist symbols, as well as the “Spiritual Landscapes” of the North American Romanticism, quite unknown in Europe. But especially in the sanctuary of modern abstraction, in the aesthetics of the sublime, Chris Martin poaches without reservation. He allows for the Pop Art heritage to rule in this domain where things often appear ethereal. Even here, especially here, he embraces the fusion of high and low as well as the trivialization of the image. Since for the human mind to meet its borders and to shiver in humility, does it need more than a hand full of psilocybin mushrooms, those which often glisten from Martin’s paintings and a pile of good records to tune in? Chris Martin contradicts the idea that the higher the art reaches, the thinner the air gets. Where things lift off the air gets thick.
Chris Martin lives in Brooklyn, New York. He is a regular writer for The Brooklyn Rail, where he has published interviews with Brice Marden, Leon Golub, James Siena, Helmut Federle and others (www.brooklynrail.org). We show his first monographic exhibition outside the US.
Text and photos: Alexander Koch / Translation: Staphanie Berger
In seinen Bildern seit Mitte der 90er-Jahre hat Martin immer wieder geschätzten und verehrten Künstlerkolleginnen und -kollegen aus Malerei und Musik seine Reverenz erwiesen: Popgrößen ebenso wie solchen, die neben dem Mainstream lagen und liegen. Manchmal, wie bei Michael Jackson, James Brown oder Frank Moore, dem Erfinder der roten Aids-Solidaritäts-Schleife „Red Ribbon“, anlässlich ihres Todes. Solche Widmungen stellen Martins großflächige Kompositionen auf das Fundament eines sozialen Bezugsrahmens, sind Gesten der Andacht und der Solidarität. Zugleich brechen sie mit jedem Reinheitsgebot der Farbfeldmalerei und der Monochromie. Die Namen stehen sperrig und rau im Bildraum gleich neben eingeklebten Geldstücken, Schallplatten, Bananenschalen und Zeitungsartikeln.
Trotz der ruppigen, ganz und gar profanen Bildoberflächen knüpft Martins Werk seit über 30 Jahren an verschiedene Traditionslinien der spirituellen Abstraktion an, für die New York, wo Martin seit 1975 lebt, Schmelztiegel war. Auf indianische Folklore, buddhistische und christliche Mystik oder anthroposophische Symbole greift Martin ebenso zurück wie auf die „Spiritual Landscapes“ der in Europa wenig bekannten nordamerikanischen Romantik. Aber ausgerechnet im Heiligtum der modernen Abstraktion - der Ästhetik des Sublimen - wildert Chris Martin vorbehaltlos und lässt das Erbe der Pop Art - die Fusion von High und Low und die Trivialisierung des Bildes - auch hier gelten, wo es sonst schnell ätherisch wird. Denn damit der menschliche Verstand an seine Grenzen stößt und in Demut erschauert, dafür braucht es vielleicht nur eine Handvoll Psilocybinpilze, die oft aus Martins Bildern funkeln, und ein paar gute Platten. Dass die Luft dünn wird, wenn die Kunst ans Höchste langt, dem jedenfalls widerspricht Chris Martin. Da wird die Luft erst dick.
Chris Martin lebt in Brooklyn, New York. Er schreibt regelmäßig für „The Brooklyn Rail“, wo er u.a. Interviews mit Brice Marden, Leon Golub, James Siena und Helmut Federle publizierte (www.brooklynrail.org). Wir zeigen seine erste monographische Ausstellung außerhalb der USA.
Text und Fotos: Alexander Koch
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